INSPIRACIÓN DE COLOR A TRAVÉS DE LOS GENIOS DE LA PINTURA

El mundo ha visto miles y miles de artistas (unos de verdad y otros literalmente hablando…) y grandes obras de arte. Hemos elegido un algunos de los grandes maestros de la pintura para mostrar un poco de la forma en que se inspiran en el color … o quizás, la forma en que nos inspiran con el color.

LA MONA LISA: LEONARDO DA VINCI:

Pintado entre 1503 y 1506 en Florencia utilizando el método sfumato, un término acuñado por Leonardo referido a una técnica de pintura en la que las capas se aplican de una manera tan sutil, que no hay ninguna transición perceptible. Su enigmática sonrisa ha sido motivo y causa de la especulación en cuanto a quién puede ser.

LOS TRES MÚSICOS: PABLO PICASSO:

En esta obra de 1921 vemos a los músicos de perfil y de frente a la vez, gracias a la superposición de planos, como si de estampas se tratase. La obra traslada al espectador al mundo de la comedia del arte con tres figuras, un Arlequín, un Pierrot y un Monje que aparecen tocando un instrumento musical. En las dos versiones de esta obra el orden es diferente. Por lo que respecta a la forma, Picasso utiliza sus conocimientos del collage, ya que los dibujos coloreados de los vestidos de las figuras, forman superficies que parecen hechas con papel pegado y se suceden la una a la otra, dando al cuadro una alegre vivacidad, incluso una especie de movimiento interno. Las figuras, sobre todo sus manos, están concebidas como si fuesen naipes, en una especie de confuso simbolismo.

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA: SALVADOR DALÍ

Pintado en 1931. La pintura surrealista es un claro foco de inspiración. Dalí produjo alrededor de 1.500 pinturas a lo largo de su carrera, además de decenas de ilustraciones para libros, litografías, diseños escenográficos, vestuarios, y una ingente cantidad de dibujos, esculturas y proyectos paralelos en fotografía y cine.

LOS NENÚFARES: PIERRE MONET

Considerado el mejor impresionista paisajista. Monet se convirtió en uno de los pintores impresionistas más populares en los Estados Unidos, así como una de las mejores colecciones representadas de América.

LA NOCHE ESTRELLADA: VINCENT VAN GOGH

Pintado en 1889. Representa expresión subjetiva de la respuesta de Van Gogh a la naturaleza. En gruesas pinceladas, un ciprés flameante se une al cielo batiendo en el tranquilo pueblo que asoma en segundo plano. El pueblo fue en parte inventado y la torre de la iglesia Van Gogh evoca a su tierra natal, los Países Bajos.

NACIMIENTO DE VENUS: BOTICHELLI

Según cuenta la leyenda, Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

HARMONÍA EN ROJO: HENRI MATISSE

Creado en 1908, Armonía en rojo fue encargada por un marchante ruso. En principio iba a ser realizada en azul, pero Matisse se decantó por el rojo, uno de sus colores preferidos por su gran carga expresiva. Se ha suprimido la sensación de profundidad, primer y último plano comparten color y elementos decorativos comunes. Se anula ambién el claroscuro y el modelado. La pintura se aplica de forma pura y los colores primarios: rojo, amarillo y azul son los predominantes. Los colores secundarios: violeta, naranja y verde aparecen en ciertos detalles.

MARILYN MONROE: ANDY WARHOL

Durante los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento muy similar. Plásticamente, empezó a producir grabados serigráficos. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y los fines del arte.

LA PROMENADE: PIERRE-AUGUSTE RENOIR

La Promenade representa una ayuda a una joven mujer de un camino de pendiente en la madera. Al hacerlo, se apoya en los árboles y arbustos y se convierte en un «hombre verde». Que los gestos en los árboles, se ve lejos, como si pregunto si ella realmente quiere entregar a los árboles y su abrazo verde, que se colocan debajo de la cuna y vestido de los árboles, ensuciar su vestido blanco radiante.

EL GRITO: EDVARD MUNCH

Su obra más conocida y considerada como un icono de la angustia existencial 1892. En realidad, existen varias versiones de esta imagen, pues Munch acostumbraba a realizar variaciones de los mismos temas. La versión más conocida de El grito fue robada del Museo Munch de Oslo, el 22 de agosto de 2004, junto con una versión de La Madonna. Ambas pinturas fueron recuperadas el 30 de agosto del 2006 con daños menores reparables.

LOS AMANTES: RENÉ MAGRITTE

Magritte es de los primeros en renunciar a la complacencia de la pintura tradicional con los contrastes de color y las opciones de estilo para representar escuetamente los objetos según su fría apariencia. Las relaciones insospechadas entre ellos como fuente de efectos poéticos constituirán en adelante la columna vertebral de su obra, de la que no se apartará a lo largo de toda su carrera.

No.5: JACKSON POLLOCK

Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping.

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